Historial de películas de la Muestra

El capital humano

Ilcapitaleumano, Italia-Francia, 2013, 111 min.

Dirección: Paolo Virzì. Guión:Paolo Virzì, Francesco Bruni, Francesco Piccolo, basados en la novela homónima de Stephen Amidon. Fotografía en Color:JérômeAlméras. Música:Carlo Virzì. Edición: Cecilia Zanuso. Con:Fabrizio Bentivoglio (Dino), Valeria Golino (Roberta), Valeria BruniTedeschi (Carla), FabrizioGifuni (Giovanni), Matilde Gioli (Serena), GuglielmoPinelli (Massimiliano), Giovanni Anzaldo (Luca). Compañía Productora: Indiana Production Company, Motorino Amaranto. Distribución:Alfhaville Cinema.

En la víspera de Navidad, un ciclista es atropellado de noche por un lujoso todoterreno. El accidente cambiará el destino de dos familias: la del millonario Giovanni Bernaschi, un inescrupuloso especulador de fianzas, y la de DinoOssola, un ambicioso agente inmobiliario cuya empresa está al borde de la quiebra. El tenso estudio de personajes realizado por el directorPaolo Virzìdeconstruye la narrativa lineal para observar la transformación de los eventos desde varias perspectivas. El resultado es un matizado recuento de la codicia y el valor de la vida humana en una era de capitalismo rampante y manipulación financiera.

Premios:

2014Premio a la Mejor Actriz(Valeria BruniTedeschi). Festival de Cine de Tribeca. Estados Unidos.

2014Mejor Dirección de Arte. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos.

Para hacer El capital humano filmamos en algunas localidades ricas del norte de Italia, como Varese, donde el escritor Piero Chiara ambientó muchos de sus cuentos: una pequeña ciudad con tramos rodeados de la degradación social típica de las metrópolis. Las diferencias sociales son fuertes y se notan. Nuestra presencia no era muy del agrado de los lugareños; algunos nos insultaban desde los coches. Esta acogida, sin embargo, me parecía bien porque habría de reflejarse en la película; era justo lo que buscábamos. Estas señoras con abrigos de pieles nos miraban con el grado de repugnancia adecuado: ¡era un casting natural! Un cineasta no busca lugares amenos; yo busco problemas y desastres bien reales.[…] En nuestra película todos los personajes son monstruos e ignoran que lo son. El capital humano cuenta muchas cosas de la Italia actual, sin intención de moralina. Es una comedia humana.

Paolo Virzì

Livorno, Italia, 1964

Considerado como uno de los principales exponentes de la comedia italiana contemporánea, el guionista y director Paolo Virzì inició su carrera como guionista para cine y televisión. En 1994 hizo su debut como director con La bella vita, largometraje que fue premiado en la Muestra de Venecia. Tres años más tarde recibió el Premio Especial del Jurado en el mismo festival por su película semiautobiográficaOvosodo, una comedia ambientada en su ciudad natal. Virzì también es conocido por sus filmes La prima cosa bella y Ferie d’agosto, galardonadas en varios festivales europeos.

Filmografía selecta

1994 La bella vita

1996 Ferie d’agosto

1997Osovodo

2002MyNameis Tanino

2010La prima cosa bella

2013 Ilcapitaleumano(El capital humano)

Xenia

Grecia-Francia-Bélgica, 2014, 128 min.

Dirección: Panos H. Koutras. Guión: Panos H. Koutras y Panagiotis Evangelidis. Fotografía en Color: Hélène Louvart y Simos Sarketzis. Música: Delaney Blue. Edición: Yorgos Lamprinos. Con: Kostas Nikouli (Dany), Nikos Gelia (Odysseas), Aggelos Papadimitriou (Tassos), Yannis Stankoglou (Lefteris), Romanna Lobach (Maria), Marissa Triandafyllidou (Vivi). Compañía Productora: 100% Synthetic Films, Wrong Men, MPM Film, Entre Chien et Loup. Producción: Eleni Kossyfidou, Panos H. Koutras y Alexandra Boussiou. Distribución: ND Mantarraya.

Tras la muerte de su madre, Dany y Odysseas emprenden un viaje para encontrar a su padre biológico, a quien nunca conocieron. Hijos de una cantante albanesa, ellos son extranjeros en su propio país, Grecia, y esperan que su progenitor los reconozca para obtener la nacionalidad. En el camino, entre un popular concurso de canto y algunas peripecias en un club, pondrán a prueba el vínculo familiar que los une. El humor y la ironía de la adolescencia se contraponen al tema de la inmigración y la división política en la más reciente película de Panos H. Koutras.

Premios

2014 Premio Especial del Jurado. Festival de Cine de Gijón. España. │Hugo de Oro al Mejor Largometraje. Festival de Cine de Chicago. Estados Unidos. │Premio al Mejor Actor (Kostas Nikouli). Festival Internacional de Cine Queer de Lisboa. Portugal. │Premio FELIX a la Mejor Película. Festival Internacional de Cine de Río de Janeiro. Brasil.

Esta película es un adiós a mi juventud. Los años de adolescencia son los más intensos que viví. Sin saberlo, todas mis elecciones de aquella época tuvieron consecuencias sobre mi existencia. En este momento, los jóvenes son quienes sufren más. Nacieron dentro de un mundo hostil, y se encuentran perdidos. Por otra parte, quería abordar el tema de los chicos apátridas en mi país, donde el derecho de sangre pesa más que el derecho de suelo. Con la emergencia de la extrema derecha en Grecia, y en varias partes de Europa, el problema adquiere proporciones dramáticas. Estoy convencido de que la inmigración es la gran tragedia de nuestra época.

Panos H. Koutras

Atenas, Grecia, 1965

Estudió realización cinematográfica en la Escuela de Cine de Londres y en La Soborna en París. Entre 1985 y 1995, dirigió varios cortometrajes y fundó 100% Synthetic Films, su compañía productora. Su primera cinta, I epithesi tou gigantiaiou mousaka, vuelto un filme de culto, se estrenó en 1999. A este trabajo le siguió Alithini zoi, una crónica sobre una familia disfuncional que obtuvo el Premio Nacional de la Crítica Griega en 2004. Strella, más que una mujer, su tercera cinta, presentada en 2009, lo posicionó como uno de los talentos más reconocidos de su país. Su filmografía se caracteriza por mezclar diversos géneros cinematográficos para crear discursos sociales a partir de las relaciones humanas. Xenia es su cuarto largometraje, y fue proyectado en la sección Una Cierta Mirada del pasado Festival de Cannes.

Filmografía

(T.I. Título internacional)

1999 I epithesi tou gigantiaiou mousaka (T.I. The Attack of the Giant Moussaka)

2004 Alithini zoi (T.I Real Life)

2009 Strella (Strella, más que una mujer)

2014 Xenia

Hermosa juventud

España-Francia, 2014, 102 min.

Dirección: Jaime Rosales. Guión: Jaime Rosales y Enric Rufas. Fotografía en Color: Pau Esteve Birba. Música: Juan Gómez-Acebo. Edición: Lucía Casal. Con: Ingrid García-Jonsson (Natalia), Carlos Rodríguez (Carlos), Inma Nieto (Dolores), Fernando Barona (Raúl), Juanma Calderón (Pedro), Patricia Mendy (Rosa). Compañía Productora: Fresdeval Films, Wanda Vision, Les Productions Balthazar. Producción: Jaime Rosales, José María Morales y Jéröme Dopffer. Distribución: NDM Ventas Internacionales.

Natalia y Carlos son dos jóvenes de clase media sin un trabajo fijo. No han terminado sus estudios y todavía viven con sus padres; sus limitados recursos les impiden desarrollarse como les gustaría. Ante el embarazo de ella, deberán conseguir un empleo que les permita llevar una estabilidad en sus vidas; sin embargo, la situación de su país, España, los condiciona a buscar curiosas alternativas para conseguir dinero. El pulso de una generación desilusionada es el motor de la óptica en esta cinta, centrada en las actitudes de una juventud irónica y divertida cada vez más inmersa en un mundo tecnológico y desesperanzador.

Premios

2014 Mención Especial del Premio del Jurado Ecuménico. Festival de Cine de Cannes. Francia. │Premio a la Mejor Actriz (Ingrid García-Jonsson). Festival de Cine Español de Toulouse. Francia.│Premio Sant Jordi a la Mejor Actriz Española (Ingrid García-Jonsson). Instituto Òmnium Cultural de Barcelona. España.

Declaración

Las partes esenciales de la juventud son las mismas. Los jóvenes son igual de rebeldes, talentosos e inseguros. Tienen mucha energía, quieren experimentar y sienten mucha confusión. Lo que cambia son las circunstancias externas. Cuando yo tenía 25 años, en tres meses podías encontrar algo acorde con tus aspiraciones y formación. Ahora mismo, un chico de esa edad tiene grandes dificultades, y eso condiciona muchas cosas. La imposibilidad de incorporarse a un oficio impide crear una familia; hay algo en el desarrollo personal que se quiebra. Es interesante ver cómo las esencias son las mismas, pero las circunstancias muy diferentes.

Jaime Rosales

Barcelona, España, 1970

Su vocación por el cine se forjó después de estudiar Ciencias Empresariales en Barcelona. En 1996 obtiene una beca para estudiar en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños en Cuba. Con Fresdeval Films, su compañía productora, ha desarrollado desde el 2000 todos sus proyectos, reconocidos a nivel mundial: Las horas del día recibió el premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Cannes en 2003, La soledad obtuvo el premio Goya a Mejor Película en 2004 y Tiro en la cabeza se apoderó de otro premio FIPRESCI en el Festival de Cine de San Sebastián en 2008. Sus cintas abordan la incapacidad del ser humano para comunicarse en entornos como la familia y la irrupción de la violencia en la vida cotidiana. Para Rosales, el cine es capaz de fabricar nuevas formas expresivas alejadas de los cánones tradicionales. Hermosa juventud, fue proyectado en la sección Una Cierta Mirada del pasado Festival de Cine de Cannes.

Filmografía selecta

1998 Episodio, cortometraje

1998 Yo tuve un cerdo llamado Rubiel, cortometraje

2003 Las horas del día

2007 La soledad

2008 Tiro en la cabeza

2012 Sueño y silencio

2014 Hermosa juventud

La tirisia

México, 2014, 110 min.

Dirección y Guión: Jorge Pérez Solano. Fotografía en Color: César Gutiérrez Miranda. Música: Rubén Luengas. Edición: Francisco X. Rivera. Con: Adriana Paz (Cheba), Gabriela Cartol (Ángeles Miguel), Gustavo Sánchez Parra (Silvestre), Noé Hernández (Canelita), Alfredo Herrera (Carmelo), Mercedes Hernández (Serafina). Compañía Productora:Tirisia Cine, Foprocine. Producción: Jorge Pérez Solano y César Gutiérrez Miranda.Dist:Tirisia Cine.

Cargado de metáforas culturales, el relato de La tirisiaes conducido a través de la experiencia de dos mujeres que se enfrentan a la maternidad en una comunidad azotada por la pobreza, el machismo y los tabúes sociales en medio de los gigantes cactus de la MixtecaPoblana. Ambas padecen la “enfermedad del alma” a la que alude el título de la película, y deberán decidir siconservan a sus hijos o los abandonan para permanecer con sus hombres.

Premios

2014 Premio Alejandro de Oro a la Mejor Película. Festival Internacional de Cine de Tesalónica. Grecia.│Premio Roger Ebert. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos. │Premio al Mejor Actor (Gustavo Sánchez Parra). Festival Internacional de Cine en Guadalajara. México.

La tirisia es una enfermedad que no tiene base científica ni sustento etimológico; por muchos años ha sido asociada a la ictericia, pero sus síntomas tocan más el alma y el espíritu que el páncreas y la bilis. La enfermedad ataca cuando el espíritu huye porque se reciben sustos o sorpresas desagradables, pero en la mayoría de los casos, la tirisia se presenta por la ausencia de un ser querido. En nuestro tiempo, la migración ha hecho que el abandono de mujeres con hijos sea cada vez más frecuente, estas mujeres buscan una nueva pareja e inclusive, a pesar del dolor que les ocasiona, dejan a sus hijos para poder lograrlo. Estamos abandonados por Dios, por los políticos y por las fuerzas militares, que nos tendrían que proteger. La génesis de la película tiene que ver con unas pláticas que tuve con historiadores. Las sociedades previas a la conquista eran más sólidas porque sus gobernantes eran sacerdotes, militares y estadistas. Ahora nos falta todo esto en un país como México, en el que vivimos en el caos. Nos prometen algo que nunca va a llegar. Al final estamos solos, nosotros somos los que tendremos que empezar a construir.

Jorge Pérez Solano

Oaxaca, México, 1964

Es egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAMen el área de dirección y guión, y de la licenciatura en Ciencias de la Comunicación de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM). Entre 1994 y 1997 trabajó como asistente de dirección, editor y director de segunda unidad en diversas películas mexicanas. De 1997 al 2005, realizó programas informativos y culturales para TV UNAM y para los canales 11, 22 y 40. En 2008 filmó Espiral, su primer largometraje, proyecto ganador del sexto Programa de Óperas Primas del CUEC, con el cual participó en diversos festivales y muestras de cine alrededor del mundo. Actualmente se encuentra preparando su tercer proyecto de ficción en la Costa Chica oaxaqueña, con la comunidad afrodescendiente. Sus películas han retratado temas como la migración, la corrupción y la marginación social de México.

Filmografía

1992 El señor del Honguito, cortometraje documental

1993Duermevela, cortometraje

1994Playback, cortometraje

2008Espiral

2014La tirisia

Moebius

Moebiuseu

Corea del Sur, 2013, 89 min.

Dirección, Guión, Fotografía en Color y Edición: Kim Ki-duk. Música: Park In-young. Con: Jo Jae-hyeon (padre), Lee Eun-woo (madre), Seo Young-ju (hijo), Kim Jae-hong (líder de la banda), Kim Jae-rok (doctor). Compañía Productora: Kim Ki-duk Film. Producción: Kim Woo-taek, Kim Soon-mo. Distribución: Zatmeni Distribución.

Estrenada mundialmente en la 70 edición de la Muestra de Venecia, Moebius presenta la historia de una mujer que consumida por el odio contra su marido busca vengarse de él, pero termina hiriendo al hijo y desapareciendo después, abrumada por la culpa. Tras hacerle la vida miserable al hijo, ahora el padre pretende cuidarlo con devoción, asumiendo para ello una decisión extrema. Pero, cuando la esposa vuelve, la familia se ve inmersa en una destrucción terrible.

¿Qué es la familia? ¿Qué son los deseos? ¿Qué son los genitales? Familia, deseos y genitales son uno desde el inicio. Yo soy el padre, la madre soy yo, y la madre es el padre. Originalmente nacemos en el deseo y nos reproducimos en el deseo. Así que todos estamos conectados como uno solo, como en Moebius, así que me envidio, me odio y me amo a mí mismo.

Kim Ki-duk

Boghwa, Corea del Sur, 1960

Proveniente de una familia de oficio agrícola, se enlistó en la marina surcoreana, donde alcanzó el grado de suboficial, hasta su baja militar a los 25 años, momento en que emigra a París para dedicarse a la pintura. En aquella ciudad descubre el cine y la tremenda relación con su oficio de pintor, por lo que comienza a concebir al séptimo arte como obras pictóricas en movimiento. De regreso a Corea escribe guiones, que fueron premiados por el Instituto Nacional del Guión de Corea del Sur, aunque ninguno llegó a filmarse. Esos méritos le consiguieron un contrato con Joyoung Films para filmar de manera autodidacta su opera prima, Ag-o. Es su cuarto largometraje, La isla, el que lo internacionaliza tras su exhibición en el festival de Venecia, certamen al que volvería en el 2004 para ganar los premios FIPRESCI, SIGNIS, León de Plata y Pequeño León de Oro por El espíritu de la pasión; y que en el 2012 le otorgaría el León de Oro, por Piedad. Su paso por los más importantes festivales queda impreso en un palmarés conformado por más de cuarenta premios internacionales, destacándose el Oso de Plata a mejor director de Berlín a Por amor o por deseo y el premio principal de la sección Una Cierta Mirada en Cannes por Arirang.

Filmografía selecta:

(T.I. Título internacional)

1996 Ag-o (T.I. Crocodile)

2000 Seom (La isla)

2003 Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom (Las estaciones de la vida)

2004 Samaria (Por amor o por deseo)

2004 Bin-jip (El espíritu de la pasión)

2005 Hwal (El arco)

2008 Bi-mong (El sueño triste)

2011 Arirang

2012 Pieta (Piedad)

2013 Moebiuseu (Moebius)

Hagen y yo

Fehéristen, Hungría-Alemania-Suecia, 2014, 119 min.

Dirección: KornélMundruczó.Guión: Kata Wéber, KornélMundruczó, ViktóriaPetrányi. Fotografía en Color:MarcellRév. Música:AsherGoldschmidt. Edición:DávidJancsó. Con:ZsófiaPsotta (Lili), Luke y Body (Hagen), SándorZsótér (Daniel), SzabolcsThuróczy (anciano), Lili Monori (Bev), LászlóGálffi (maestro), Lili Horváth (Elza). Compañía Productora: Proton Cinema, Pola Pandora, Filmpartners, Chimney. Producción: ViktóriaPetrányi. Distribución:ZimaEntertainment.

Cuando en Hungría una nueva ley impone un impuesto considerable por los perros de razas mestizas, los refugios caninos se llenan rápidamente de mascotas abandonadas. Lili, de 13 años, lucha por proteger a su perro, Hagen, pero su padre lo suelta en la calle. Cuando Hagen es capturado y enviado a la perrera, los perros aprovechan para escapar e iniciar una revolución contra los seres humanos. En un interesante juego de géneros que va de la fantasía al terror, KornélMundruczó presenta una metáfora de la aceptación y tolerancia hacia las minorías sociales.

2014 Premio Una Cierta Mirada y Premio Especial Palm Dog. Festival de Cine de Cannes. Francia.

En mi opinión, en paralelo a las cuestionables ventajas de la globalización, un sistema de castas se ha definido más claramente: la superioridad se ha convertido en el privilegio de los blancos, de la civilización occidental.Desde aquí quería crear una película que permitiera vislumbrar las furiosas pasiones del otro lado, criticando nuestra detestable autoconfianza llena de mentiras y verdades desequilibradas, basada en domesticar a las minorías cuando en realidad deseamos acabar con ellas. Sin embargo, he elegido animales como protagonistas en vez de las minorías. Hice esto porque quería centrarme libremente en un tema tan delicado con la menor cantidad de tabúes posibles.La película entreteje el melodrama con las características de las películas de aventura y venganza. Mi intención era demostrar que la humanidad y las bestias comparten el mismo universo. Sólo si somos capaces de posicionarnos a nosotros mismos en el lugar de diferentes especies tenemos la oportunidad de bajar las armas.

KornélMundruczó

Gödöllő, Hungría, 1975

Estudió en el Instituto de Cine de Hungría y apenas dejó la escuela, dirigió su cortometraje Afta (2001), premiado en numerosos festivales.Su opera primaSzépnapokfue premiada con el Leopardo de Plata en el Festival de Locarno del 2002. Su segunda película, Johanna –que adapta la vida de Juana de Arco– fue presentada en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes en 2005.Mientras que Delta se estrenó fuera de Hungría en la competencia oficial en este mismo festival en el año 2008, donde obtuvo el premio FIPRESCI. Desde 2003 también se ha desenvuelto en las artes escénicas y ha trabajado en el Teatro Krétakör, en Budapest, el Teatro Thalia de Hamburgo y el Teatro Schauspielhaus Hannover, entre otros.

Filmografía selecta

(T.I. Título internacional)

2002 Szépnapok (T.I Pleasant Days)

2004KisapokrifNo.2 (T.I LittleApocrypha No. 2), cortometraje

2005 Johanna

2008 Delta

2010 Szelídteremtés – A Frankenstein-terv (Dulce hijo)

2014 Fehéristen (Hagen y yo)

Mentiras blancas

White Lies, Nueva Zelanda, 2013, 96 min.

Dirección: Dana Rotberg.Guión: Dana Rotberg, WitiIhimaera, basados en la novela Medicine Womandel segundo. Fotografía en Color: AlunBollinger. Música: John Psathas.Edición: Paul Sutorius.Con:Whirimako Black (Paraiti, la mujer médico), Antonia Prebble (Rebecca Vickers), Rachel House (Maraea), Nancy Brunning (Horiana), Te WaimarieKessell(Aroha), Kohuorangi Ta Whara (Wirepa), Elizabeth Hawthorne (matrona del hospital). CompañíaProductora: South Pacific Pictures, New Zeland Film Comission, NZ on Air. Prod:John Barnett, Chris Hampson. Procedencia de la Copia: Cineteca Nacional.

A principios del siglo XX en una pequeña localidad de Nueva Zelanda, Paraiti, una curandera maorí, es solicitada como último recurso incluso para mujeres blancas,a pesar de las leyes colonialistas que le prohíben ejercer.Un día Maraea, otra mujer maorí, le suplica que atienda a su empleadora, Rebecca, la esposa de un empresario local pudiente. Rebecca está embarazada, y dado que el viaje al extranjero de su esposo ha sido largo, es evidente que el hijo no es de él. La encomienda de poner fin al embarazo conduce a una revelación de secretos y tensiones raciales.

Cuando leí por primera vezMedicine Woman, la novela que le dio origen a Mentiras blancas, me topé con una pieza perfecta de narrativa, poseedora de una estructura balanceada que contenía complejidad, drama humano y un delicado sentido del humor. La historia no me dejaba ni un momento, me visitaba intempestivamente mientras manejaba, cocinaba o dormía. El relato de WitiIhimaera me hablaba desde lugares distintos. […] Era un llamado desde el corazón de mis orígenes para buscar respuestas, siendo yo misma una mujer mestiza, una madre y una descendiente de inmigrantes y personas cuyos pueblos fueron brutalmente colonizados; un mensaje proveniente de cada gota de sangre mexicana, judía, católica, polaca, indígena, italiana y rusa que corre por mis venas.

Dana Rotberg

Ciudad de México, 1959

Estudió en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM y en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Además de asistente de dirección para algunas películas de Felipe Cazals, entre las destaca Los motivos de la luz (1985),ha trabajado como directora, guionista y productora en México, Francia, Bosnia yHerzegovina y Nueva Zelanda. Su primera película, dirigida junto a Ana Díez,fue Elvira Luz Cruz, pena máxima, sobre el caso de una mujer acusada del asesinato de sus hijos, con la cual recibió el Ariel al Mejor Cortometraje Documental en 1986. Con Ángel de fuego, su segundo largometraje, ganador del Ariel a la Mejor Película Iberoamericana, abrió la prestigiosa Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes en 1992. Actualmente reside y trabaja en Nueva Zelanda, donde realizó Mentiras blancas, seleccionada como la candidata al Óscar a la mejor película en lengua extranjera por ese país.

Filmografía

1985 Elvira Luz Cruz, pena máxima, cortometraje documental

1991Intimidad

1992Ángel de fuego

2000Otilia Rauda

2013White Lies(Mentiras blancas)

El pequeño Quinquin

P'tit Quinquin¸ Francia, 2014, 200 min.

Dirección y Guión: Bruno Dumont. Fotografía en Color: Guillaume Deffontaines. Edición: Bruno Dumont y Basile Belkhiri. Con: Alane Delhaye (Quinquin), Lucy Caron (Eve Terriet), Bernard Pruvost (comandante Van der Weyden), Philippe Jore (teniente Carpentier), Philippe Peuvion (padre de Quinquin), Lisa Hartmann (Aurélie Terrier), Julien Bodard (Kevin). Compañía Productora: 3B Productions, ARTE France. Producción: Rachid Bouchareb, Jean Bréhat y Muriel Merlin. Procedencia de la copia: Cineteca Nacional.

En un pueblo al norte de Francia, unos extraños asesinatos atraen la atención del comandante Van der Weyden. Junto al teniente Carpentier, empieza a seguir la pista del probable autor material de los crímenes. Sin embargo, también tendrán que lidiar con un curioso grupo de bandidos liderados por Quinquin, un chico astuto y rebelde. En un giro tremendo en su filmografía, Bruno Dumont vira hacia la comedia en este proyecto para televisión convertido en un largometraje, y nos entrega una historia cuyo humor se balancea entre el terror y la bufonería.

Premios

2014 Mención Honorífica del Premio de la Crítica. Festival Internacional de Cine de São Paulo. Brasil.

Declaración

No tenemos la costumbre de pasar de lo hipercrudo a lo hipercómico. Sabemos lo que es el drama y la comedia, pero juntarlos representa una sensación nueva para mí. Biológicamente lo encuentro emocionante. Esta película es una tragicomedia; es divertida y estrafalaria porque hay un cadáver dentro de una vaca. La bestia humana es grande, y el desvanecimiento del mito debajo del disfraz de los personajes crea cualquier situación graciosa. […] La comedia ronda alrededor de la tragedia, ninguna de las dos se aleja.

Bruno Dumont

Bailleul, Francia, 1958

Estudió Filosofía Griega y Alemana en la Universidad de Lille, en el norte de Francia, y fue profesor de esa área en Hazebrouck antes de dedicarse al cine. Por su primer largometraje, La vida de Jesús, fue considerado una gran promesa dentro de la cinematografía de su país. Ha sido galardonado dos veces con el Gran Premio del Jurado en Cannes, por La humanidad en 1999 y por Flandres en 2006. Su trayectoria incluye más de cuarenta comerciales, varios cortometrajes, así como siete largometrajes y una miniserie para televisión. Su particular uso del paisaje destaca en sus películas, en las que se ha centrado en la búsqueda de la esencia humana dentro de contextos sociales violentos. El pequeño Quinquin es su primer proyecto para televisión, un trabajo conformado por cuatro capítulos con una duración de 52 minutos por episodio.

Filmografía selecta

1997 La vie de Jésus (La vida de Jesús)

1999 L'Humanité (La humanidad)

2003 29 palmes (Pasiones salvajes, 29 palmas)

2006 Flandres

2009 Hadewijch (Hadewijch. Entre la fe y la pasión)

2011 Hors Satan (Fuera de Satán)

2013 Camille Claudel 1915

2014 P'tit Quinquin (El pequeño Quinquin)

Cautiva

The Captive, Canadá, 2014, 113 min.

Dirección: AtomEgoyan.Guión:AtomEgoyan y David Fraser. Fotografía en Color:Paul Sarossy. Música:MychaelDanna. Edición:Susana Shipton. Con:Ryan Reynolds (Matthew Lane), Rosario Dawson (Nicole Dunlop), Scott Speedman (Jeffrey Cornwall), Mireille Enos (Tina Lane), Kevin Durand (Mika), Alexia Fast (CassLane).Compañía Productora: Ego Film Arts, The Film Farm.Producción: AtomEgoyan,Stephen Traynor, Simone Urdl, Jennifer Weiss.Distribución:Alfhaville Cinema.

Ocho años después de la desaparición de Cassandra, algunos indicios perturbadores parecen indicar que aún está viva. La policía, sus padres y ella misma, intentarán elucidar el misterio de su desaparición.Thriller psicológico que explora los efectos de la ausencia y el pasado, vistos a través de las relaciones aún entrelazadas entre la víctima, sus padres, el secuestrador y los investigadores. Desde este punto de oscura devastación, la película parece preguntar: ¿es posible la redención en este mundo tan grotesco?

Cautiva está construida como un thriller, pero realmente no lo es porque sabemos que la persona desaparecida está viva. Todo el suspenso es interno. Es más como una pieza anímica, así que espero que la gente vea más allá de una trama tradicional. Toda la película está estructurada alrededor de esta idea de gente repitiendo un momento. Quería poner al espectador dentro de un espacio donde no estuviera seguro de dónde están los bordes, y en última instancia recrear esta subcultura (el secuestro de infantes, la pedofilia, las investigaciones y la búsqueda de las familias para encontrarlos).Sabía que no podía mostrar el abuso de un niño, por supuesto, pero podía mostrar a los adultos siendo maltratados por las personas que estuvieran abusando de los niños.

AtomEgoyan

El Cairo, Egipto, 1960

De origen armenio, a muy temprana edad viajó a Canadá, donde creció y se educó.A los 18 años ingresó a la Universidad de Toronto para estudiar relaciones internacionales y guitarra clásica.Su obra incluye más de una docena de largometrajes, cortometrajes y episodios para televisión, además de instalaciones presentadas en museos como el de Arte Moderno de Oxford y en la Bienal de Venecia. En 1996 incursionó en la dirección de ópera con la puesta en escena de Salomé; y también es autor de varias publicaciones. Su procedencia étnica y multicultural está en el fondo de todas sus historias. Sus películas exploran la manera en que las relaciones humanas son corrompidas por la omnipresencia de la tecnología y algunas de ellas siguen estructuras sin linealidad cronológica, en las cuales los acontecimientos se organizan de manera no secuencial con el fin de provocar reacciones emocionales en el espectador ocultando la clave de la historia.

Filmografía selecta

1987 FamilyViewing (Escenas familiares)

1989 SpeakingParts (Partes habladas)

1991 TheAdjuster (El ajustador)

1994 Exotica (Exótica)

1997 The Sweet Hereafter (Dulce porvenir)

1999 Felicia’sJourney (El filo de la inocencia)

2002 Ararat

2009 Chloe (Una propuesta atrevida)

2013 Devil’sKnot (El nudo deldiablo)

2014 The Captive (Cautiva)

El niño y el mundo

O Menino e o Mundo, Brasil, 2013, 80 min.

Dirección, Guión y Edición: Alê Abreu. Fotografía en Color: Débora Fernandes, Débora Slikta, Luiz Henrique Rodrigues, Marcus Vinicius Vasconcelos.Música: Gustavo Kurlat, RubenFeffer. Voces: ViniciusGarcia (niño), Felipe Zilse (joven), Alê Abreu (Viejo)Lu Horta (madre), Marco Aurélio Campos (padre), Cassius Romero (perro). Compañía Productora: Filme de papel, Espaço Filmes, Petrobras. Prod: Vanessa Remonti, JanainaDalri. Procedencia de la Copia: Cineteca Nacional.

Un niño que sufre por la falta de su padre, quien ha dejado a la familia para irse a trabajar a algún lugar distante, sale de la aldea donde vive para descubrir un mundo fantástico, dominado por animales-máquina y seres extraños. El niño y el mundo es una animación l realizada con diferentes técnicas audiovisuales, que del collage a los gráficos computarizados, retrata los problemas del mundo moderno y el contraste entre el campo y la ciudada través de una mirada singular.

Premios destacados

2014Premio del Jurado y Premio del Público. Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy. Francia. │ Mejor Guión. Festival Internacional de Cine del Cairo. Egipto.│Premio Especial del Jurado. Festival Internacional de Cine de Shanghái. China. │Mejor Película Brasileña. Festival Internacional de Cine de São Paulo. Brasil. │Gran Premio al Mejor Largometraje. Monstra Festival de Animación de Lisboa. Portugal. │Premio Coral a la Mejor Película de Animación. Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana. Cuba.

Realizar El niño y el mundo tomó tres años y medio de producción y seis meses de preparación para el lanzamiento. A pesar del estigma de la animación como un tipo de cine infantil, cuando hago una película normalmente no pienso en si es para niños o adultos. Y creo que eso debe funcionar como un desafío artístico para liberarnos de ciertas amarras como los géneros o los patrones impuestos por el mercado, para revelar algo verdadero que envuelva y sorprenda al público. […] Producir una película de animación requiere de una buena dosis de paciencia, porque representa una relación distinta con el tiempo; demanda cierto dominio artístico, recursos técnicos y un equipo bien preparado.Yo he estado en la ruta para hacer este largometraje desde 1991, cuando hice mi primer corto.

Alê Abreu

São Paulo, Brasil, 1971

Formado en Comunicación Social y autor de libros ilustrados, comenzó a realizar pequeños trabajos animados desde principios de los 90. Ha desarrollado diversos proyectos de publicidad para empresas como Nestlée ilustrado para numerosas revistas, periódicos y libros clásicos de la literatura brasileña contemporánea como O Mistério do Cinco Estrelas, de Marcos Rey, y O Menino que Espiavaprá Dentro, de Ana Maria Machado. Su primer largometraje, Garoto Cósmico, basado en su libro de ilustraciones del mismo nombre,fue estrenado en cines de Brasil y lanzado en DVD en países como Venezuela e India; mientras que su cortometraje Passo fue exhibido en los festivales de animación más importantes del mundo. En 2007 Abreu fue uno de los artistas homenajeados en Anima Mundi, el mayor festival dedicado a la animación en Latinoamérica, donde se proyectó una retrospectiva de su trabajo. Su segundo libro de ilustración Mas Será que Nasceria a Macieira? fue lanzado a la venta en 2010 por la prestigiosa editorial brasileña FTD.

Filmografía

1998 Espantalho, cortometraje

2007Garoto Cósmico

2007Passo, cortometraje

2013 O Menino e o Mundo(El niño y el mundo)

El juicio de Viviane Amsalem

Gett, Israel-Alemania-Francia, 2014, 115 min.

Dirección y Guión: Ronit Elkabetz, Shlomi Elkabetz. Fotografía en Color: Jeanne Lapoirie. Edición: Joëlle Alexis. Con: Ronit Elkabetz (Viviane Amsalem), Simon Abkarian (Elisha Amsalem), Sasson Gabai (Shimon Amsalem), Menashe Noy (Carmel Ben-Tovim), Rami Danon (rabino Danino), Roberto Pollack (rabino Abrahan), Eli Gornstein (rabino Salomón). Compañía Productora: DBG / deux beaux garçons, Elzévir & Cie, Riva Films. Producción: Sandrine Bauer, Denis Carot, Shlomi Elkabetz, Marie Masmonteil. Distribución: Zima Entertainment.

En Israel no existe el matrimonio civil ni tampoco el divorcio. Sólo los rabinos pueden legitimar un matrimonio o su disolución, pero ésta sólo es posible si se tiene el pleno consentimiento del marido, quien al final tiene más poder que los jueces. Viviane Amsalem ha estado solicitando el divorcio por tres años, pero Elisha, su marido, no está de acuerdo. Su fría intransigencia le da a Viviane la determinación de luchar por su libertad, pero el ambiguo papel de los jueces para dar seguimiento al proceso hace que la tragedia compita con lo absurdo.

Premios destacados

2014 Premios a la mejor película y mejor actor de soporte (Sasson Gabai). Academia de Cine Israelí. | Premio al Mejor Guión. Festival Internacional de Cine de Chicago. Estados Unidos. | Premio Cine de Arte. Festival de Cine de Hamburgo. Alemania. | Premios Haggiag a mejor película israelí, mejor actor (Menashe Noy) y Premio de la Audiencia. Festival de Cine de Jerusalén. Israel.

2015 Nominación al Globo de Oro por mejor película en lengua extranjera. Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood. Estados Unidos.

Hoy en día el matrimonio de todo el mundo está gobernado por la ley religiosa, independientemente de la comunidad de la que procedan, o de si la pareja es religiosa o atea. Cuando la mujer da el “sí” bajo el palio nupcial, se le considera a partir de ese momento potencialmente privada del derecho de divorcio porque sólo el marido tiene el derecho de decidirlo. La Ley otorga este indignante derecho al marido. Los rabinos argumentan que lo hacen todo para ayudar a las mujeres, pero la realidad en las restringidas vistas de los procedimientos legales es muy diferente, pues es tarea sagrada de los rabinos hacer todo lo posible para preservar el hogar judío. Es el precepto Shalom bayit (armonía conyugal), por lo que el deseo de esta mujer de divorciarse amenaza el orden establecido.

Ronit Elkabetz

Beerseba, Israel, 1964

Se inició en la farándula como modelo y debutó como actriz en 1990 en Hameyu'ad (T.I. The Intended), coproducción entre Israel y Francia, países donde ha desarrollado su exitosa carrera. En 1995 escribió su primer guión, Tzaleket (T.I. Scar), ganadora de cuatro premios de la Academia de Cine Israelí. En el 2004 escribió y debutó como directora con Ve'Lakhta Lehe Isha (T.I. To Take a Wife), parcialmente autobiográfica y codirigida con su hermano Shlomi. Con su segunda cinta como realizadora, Shiva (T.I. 7 Days), obtuvo el premio Wolgin a mejor película en el festival de Jerusalén, y en mayo del 2010 recibió el premio Cultura Francesa en el Festival de Cannes, galardón otorgado a los realizadores de marcado compromiso social en su obra. El juicio de Viviane Amsalem es su tercera cinta en codirección con su hermano, y con ésta culmina una trilogía dedicada a mostrar la situación en desventaja de la mujer en el contexto social y religioso del Israel actual.

Shlomi Elkabetz

Beerseba, Israel

Debutó como realizador al lado de su hermana Ronit con Ve'Lakhta Lehe Isha, opera prima ganadora del Premio de la Audiencia en la Semana de la Crítica del festival de Venecia en 2004. Codirigen Shiva en el 2008, y en el 2011 Shlomi dirige su primera película en solitario, Edut (T.I. Testimony), estrenada en el festival de Venecia. El juicio de Viviane Amsalem fue estrenada en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes 2014 y exhibida en más de una veintena de festivales internacionales.

Filmografía conjunta:

T.I. Título internacional

2004 Ve'Lakhta Lehe Isha (T.I. To Take a Wife)

2008 Shiva (T.I. 7 Days)

2014 Gett (El juicio de Viviane Amsalem)

Radicales

Night Moves, Estados Unidos, 2013, 112 min.

Dirección y Edición: Kelly Reichardt. Guión: Jonathan Raymond y Kelly Reichardt. Fotografía en Color: Christopher Blauvelt. Música: Jeff Grace. Con: Jesse Eisenberg (Josh), Dakota Fanning (Dena), Peter Sarsgaard (Harmon), Alia Shawkat (Surprise), Logan Miller (Dylan), Kai Lennox (Sean). Compañia Productora: Maybach Film Productions, Film Science, Tipping Point Productions, RT Features. Producción: Anish Savjani, Neil Koop, Chris Maybach, Saemi Kim y Rodrigo Teixeira. Distribución: Zatmeni Distribución.

Los activistas Josh y Dena comparten algunas perspectivas políticas con Harmon, un exmarino conocedor de explosivos. Juntos deciden hacer frente a la actual cultura industrial, que provoca grandes daños al medio ambiente. Su objetivo es hacer estallar una presa hidroeléctrica como acto simbólico; sin embargo, la sensación de paranoia y las posibles consecuencias de sus actos los colocan en una situación delicada, pues deberán elegir entre la fugacidad y el combate. En su más reciente trabajo, Kelly Reichardt nos presenta una reflexión sobre el extremismo político en relación a los problemas ecológicos.

Premios

2013 Gran Premio a la Mejor Película, Festival de Cine Americano de Deauville. Francia.

2013 Premio a la Mejor Fotografía, Semana de Cine de Valladolid. España.

La película no es un mensaje moral, sino una historia personal. Ocurre con sujetos que tienen ciertos ideales políticos. Para mí, es un retrato de cómo los individuos operan cuando están insertos en una comunidad y algunas acciones las hacen por su cuenta. Existen diversos niveles de radicalismo: algunos prefieren cultivar sus propios alimentos, y sólo utilizan el agua de la lluvia; otros son más violentos, pero sus actos se vuelven legales. Creo que la cinta se cuestiona esto: si sus acciones no son adecuadas al estado de las cosas, ¿hay buenas respuestas por ahí? No lo considero un mensaje, es sólo una pregunta.

Kelly Reichardt

Miami, Estados Unidos, 1964

Estudió en la Escuela del Museo de Artes Plásticas de Boston, donde obtuvo la maestría en Bellas Artes. River of Grass, su opera prima, fue nominada al Gran Premio del Jurado en Sundance en 1994. Más tarde, realizó una serie de cortometrajes sobre diversos aspectos de la vida estadounidense, como Travis, de 2004, un fuerte retrato de la guerra en Irak. En 2006 presentó su segundo largometraje, Old Joy, que obtuvo el Premio Tigre del Festival de Cine de Róterdam. Junto a cineastas como Todd Haynes, se le considera una de las principales representantes del cine independiente en Estados Unidos y sus cintas se caracterizan por hacer una crítica a los valores democráticos de su país. Radicales, su más reciente trabajo, fue nominado al León de Oro en la Muestra de Venecia del 2013.

Filmografía selecta

1994 River of Grass

2004 Travis, cortometraje

2005 Old Joy

2008 Wendy and Lucy (Wendy y Lucy)

2010 Meek's Cutoff (El camino de Meek)

2013 Night Moves (Radicales)

Amar, beber y cantar

Aimer, boire et chanter, Francia, 2013, 108 min.

Dirección: Alain Resnais.Guión: Laurent Herbiet, Alex Reval y Jean-Marie Besset, basados en la obraLife of Rileyde Alan Ayckbourn. F en C: Dominique Bouilleret. M: Mark Snow. E:Hervé de Luze. Con: Sabine Azéma (Kathryn), Hippolyte Girardot (Colin), CarolineSilhol (Tamara), Michel Vuillermoz (Jack), SandrineKiberlain (Mónica), André Dussollier (Simeon),Alba GaïaBellugi (Tilly). CP:F Comme Film. Prod: Jean-Louis Livi.Dist:Cinemas Nueva Era.

En medio de los ensayos de una obra de teatro amateur, Colin y Kathryn reciben la noticia de que a su amigo George Riley le quedan pocos meses de vida. El matrimonio lo invita a que se una a ellos en la obra, lo que desatará un torbellino de emociones, no sólo para Kathryn –quien fuera el primer amor de George–, sino también para sus amigas Tamara y Mónica ysus respectivas parejas. En la última película antes de su muerte en 2014, Alain Resnais adaptó por tercera ocasión una pieza teatral de Alan Ayckbourn, confinando la acción a un mundo artificial, casi completamente de estudio, en el que recrea un tragicómico teatro de vanidades.

Premios

2014 Premio Alfred Bauer y premio FIPRESCI. Festival Internacional de Cine de Berlín. Alemania.

¿Por qué el título [de la película] es Amar, beber y cantar, que no tiene nada que ver con el título original de la obra de Alan Ayckbourn, Life of Riley? Es una cuestión de ritmo. […] Me esfuerzo por dar ritmo a los cambios en una película, por lo que la dirección está llena de contrastes: por momentos es reservada y académica, y de pronto hay un cambio de tono. Esto es con lo que sueño: que el espectador se diga así mismo «Es teatro filmado»; y después cambie de opinión: «Sí, pero en el teatro no puedes hacer eso…». […] Me gustaría lograr lo que Raymond Queneau llamó la brouchecoutaille, una especie de desorden, rompiendo las barreras entre el cine y el teatro. Lo digo para todas mis películas: lo que me interesa es la forma, y si no hay forma no hay emoción;[…] así que naturalmente me enamoré del teatro de Ayckbourn.Un día dijo esto:«Yo trato de hacer cine con mi teatro, y Resnais hace teatro para el cine».

Alain Resnais

Vannes, Francia, 1922-2014

Estudió en elInstituto de Altos Estudios Cinematográficos en París, donde se especializó en montaje. A partir de 1948 dirigió una serie de cortometrajes sobre pintores, y para la década de los 50filmó documentales realizados en un estilo ensayístico y tratando una gran variedad de temas (cine, arte, lenguaje, historia y sociedad). Aunque Resnais era contemporáneo de los cineastas de la Nueva Ola nunca se consideró un “autor”, pues sentía más afinidad por la Rive Gauche, grupo al que pertenecía Chris Marker. Para la mayoría de sus guiones, trabajó en colaboración con escritores como Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet y Jorge Semprún; posteriormente adaptó obras de Alan Ayckbourn y Jean Anouilh. Su sello particular es la ruptura de las estructuras narrativas tradicionales en favor de composiciones más complejas con diferentes relaciones de espacio y tiempo. Su obra examinó la complicada relación entre la memoria y el olvido, el mecanismo del pensamiento humano, y la fusión de dos de sus pasiones: el teatro y la cultura popular. Para Resnais, el arte cinematográfico es montaje: selección y ordenación de los planos, ritmo y organización del contrapunto audiovisual.

Filmografía selecta

1948Van Gogh, cortometraje documental

1955Nuit et brouillard (Noche y niebla), mediometraje documental

1959Hiroshima monamour (Hiroshima, mi amor)

1961L’Annéedernière à Marienbad (El año pasado en Marienbad)

1968 Je t’aime, je t’aime (Te amo, te amo)

1976Providence

1980Mononcled'Amérique (Mi tío de América)

1993Smoking / No Smoking

2003 Pas sur la bouche (En la boca no)

2014Aimer, boire et chanter (Amar, beber y cantar)

Sombra blanca

White Shadow

Tanzania-Alemania-Italia, 2013, 117 min.

D: Noaz Deshe G: Noaz Deshe, James Masson. F en C: Noaz Deshe, Armin Dierolf. M: Noaz Deshe, James Masson. E: Noaz Deshe, Xavier Box, Robin Hill, Nico Leunen. Con: Hamisi Bazili (Alias), James Gayo (Kosmos), Glory Mbaywayu (Antoinette), Salum Abdallah (Salum). CP: Shadoworks, Asmara Films, Mocajo Film. Prod: Ginevra Elkann, Francesco Melzi d’Eril. Dist: ND Mantarraya.

Alias, un niño de África central, es un albino objeto de burlas y vulnerable a un peligro terrible: la creencia entre los médicos brujos y gente de la región de que los cuerpos de los albinos ofrecen poderes mágicos, lo que ocasiona que muchos albinos sean asesinados o mutilados. Tras presenciar el asesinato de su padre, su madre lo envía lejos para encontrar refugio en la ciudad, al cuidado de su tío. Ahí Alias entrará en una nueva vorágine.

Premios principales

2013 Premio Luigi De Laurentiis de la Semana Internacional de la Crítica. Muestra Internacional de Cine de Venecia. Italia

2014 Premio Nuevos Directores. Festival Internacional de Cine de San Francisco. Estados Unidos. | Mención Especial del premio CineVision. Festival Internacional de Cine de Múnich. Alemania | Premio a mejor director. Festival Internacional de Cine de Durbán. Sudáfrica.

Mientras me preparaba para ser maestro en Dar Es Salaam, aprendí sobre la caza de albinos en África oriental. Decidí hacer una película, una crónica real de una persona joven con un precio en su cabeza. Una persona que tiene la urgencia por convertirse, consciente de su propia condición, en alguien autodestructivo. En una circunstancia determinada, se puede presenciar lo que se siente ser una bestia: reaccionar, estar alerta a su máxima capacidad. Debe aceptar la soledad de sus sueños como su amiga y como una forma de supervivencia. Los detalles de la trama debe ser lo que el personaje es capaz de entender y reconstruir, la política y la información cultural debe ser entregado en una forma sensorial. Para hacer que la película funcione necesitábamos ser íntimos, asegurándonos de que todo el mundo fuera seguro y valiente.

Noaz Deshe

Berlín, Alemania

Artista audiovisual y cineasta radicado entre Berlín y Los Ángeles, compositor también del soundtrack para el filme iraní Frontier Blues (2009), opera prima de Babak Jalali. Es autor de la novela gráfica In Case We Never Meet, la que está pendiente de publicación. Como realizador dirigió en el 2001 el cortometraje Boysgirls y el largo Search Agent Zerox, ambos documentales. Sombra blanca es su debut en el cine de ficción, estrenada mundialmente en la muestra de Venecia.

Filmografía

2001 Boysgirls

Search Agent Zerox

2013 White Shadow (Sombra blanca)

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